Que es Arte Historia del arte – Tipos y Modelos https://queesarte.com Quieres conocer profundamente los tipos de arte existentes, que es el arte origenes, inicios generaciones, autores, fundadores y invitados Wed, 03 Aug 2016 20:02:37 +0000 es-ES hourly 1 https://i1.wp.com/queesarte.com/wp-content/uploads/2016/02/1617fav20.png?fit=32%2C32&ssl=1 Que es Arte Historia del arte – Tipos y Modelos https://queesarte.com 32 32 106700491 Alberto Durero, artista famoso del Renacimiento alemán https://queesarte.com/alberto-durero-artista-famoso-del-renacimiento-aleman/ https://queesarte.com/alberto-durero-artista-famoso-del-renacimiento-aleman/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:40:09 +0000 https://queesarte.com/?p=227 Alberto Durero – Entre Italia y Alemania Alberto Durero (1471-1528) Hijo de un orfebre húngaro emigrado a Núremberg, pasó ligado a esta ciudad toda su vida de una forma u otra. Su padre fue el primero que le empezó a enseñar el oficio de la artesanía, el crear y esculpir al gusto y voluntad sin más límites que la imaginación. ...

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Alberto Durero – Entre Italia y Alemania

Alberto Durero (1471-1528) Hijo de un orfebre húngaro emigrado a Núremberg, pasó ligado a esta ciudad toda su vida de una forma u otra. Su padre fue el primero que le empezó a enseñar el oficio de la artesanía, el crear y esculpir al gusto y voluntad sin más límites que la imaginación.

Alberto Durero o Albrecht Dürer, como es conocido en alemán, conoció el arte alemán de la mano de su padre, que fue el primero en enseñarle y mostrarle los grabados flamencos, del gótico tardío, mediante el cual, fue como empezó con la pintura. El arte flamenco estaba intrincado en los pintores alemanes, los cuales recreaban ese estilo y lo adaptaban a sus obras.

Pero en aquella época, una fuerte corriente, tanto económica y cultural, se venía mezclando con Italia, en donde había nacido allí un nuevo estilo, el renacimiento, y poco a poco, estas ideas humanitarias fueron llamando la atención de un joven Durero, que sentía curiosidad por ese nuevo estilo y las ideas que en él portaba, ya que era el contrapunto al estilo alemán.

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Los países de Centroeuropa siempre habían albergado un estilo más conservador, donde la tradición siempre imperaba sobre los nuevos pintores, los cuales no habían recibido hasta el momento ninguna influencia extranjera, hasta que llegó Alberto Durero, que empezó a introducir las figuras clásicas, la viveza de la escena y los mejores rasgos de la plenitud del humanismo italiano floreciente en la época.

Conocido como el mayor y mejor representante del renacimiento alemán, no es por casualidad, ya que se le considera el introductor de este estilo artístico en Alemania. Gracias a sus viaje que realizo a Italia, fue consiguiendo ser el aprendiz de numerosos pintores renacentistas de la época, lo que le llevó aprender sus técnicas y estilos, y luego adaptarlas a las viejas tradiciones alemanas.

Alberto Durero 2Con esta unión del estilo empírico de los detalles, de la perfección de la figura, con los aspectos más teóricos del estilo alemán. Aunque sus comienzos no fueron como él lo había imaginado y comenzó desde lo más bajo de la profesión.

Trabajar en imprentas realizando las ilustraciones de los trabajos de otras personas era uno de los oficios por el que todo aprendiz debía de pasar, Alberto pasó y también supo captar la esencia de su oficio para llevarlo a un nivel superior, donde las clásicas xilografías fueron elevadas a obras de arte a medida que fue perfeccionando su arte.

Una vez acabado su primer aprendizaje en Núremberg, comenzó a viajar y aprender de otros maestros, su primer viaje le llevo tras la pista de Martin Schongauer, un reconocido pintor y grabador alemán, aunque llegó un año después de su muerte, los familiares del fallecido le indicaron otros sitios donde buscaban gente y que podía seguir aprendiendo, así llegó a Basilea.

Allí pudo trabajar y aprender realizando diferentes ilustraciones en las que se pudo ver como su trazo y perfección eran fuera de lo común, y del estilo de la época, guardando un cuidado detalle en las formas y los rostros.

En 1494 dio un nuevo giro la vida de Alberto Durero, regresó a su Núremberg natal pero por poco tiempo, ya que inmediatamente comenzó a preparar su viaje a Italia para conocer más de ese nuevo estilo que estaba entrando con fuerza en el mundo.

Su viaje solamente duró 1 año y tardaron otros 10 para que volviera a pisar aquellas tierras, pero su corta estancia le ayudo a mejorar su estilo y proyectarse como uno de los mejores pintores de la época, donde sus trabajos con el grabado y la xilografía, además de sus numerosos retratos, le ayudaron a asentarse en Núremberg con gran fama y capacidad económica.

Alberto Durero 4_optDel primer viaje ya volvió con una idea estética clara, le había encantado lo que había visto en Italia y necesitaba poder seguir evolucionando en el arte renacentista, por ello, en 1505 volvió a viajar a Italia, donde conoció al gran maestro Giovanni Bellini, que junto a otros artistas del momento, le tomaron como aprendiz para enseñar las mejores técnicas del renacimiento, así como saber diferenciarlas y lograr las perfecciones geométricas que este estilo hace gala.

Esta estancia de dos años en Italia le sirvió para dar un nuevo giro a su carrera artística, definiéndose cada vez más por el renacimiento pero creando su propio estilo, el renacentismo alemán, que cada vez tenía menos de alemán y más de italiano.

Durante los siguientes 10 años, su fama en Núremberg y en toda Alemania es más que reconocida, donde ha realizado encargos para las familias más prestigiosas de Alemania, realizando retratos familiares o personales por grandes sumas de dinero, y también ha trabajado para la iglesia con numerosos retablos y cuadros con motivos religiosos.

Su último gran viaje lo encontramos cuando Carlos I iba a ser coronado emperador del sacro imperio romano germano, ya que con este cambio de Rey era más que posible que perdiera la paga que le tenía asignada cada mes, y por lo que decidió visitar al nuevo monarca en su coronación.

Después de viajar a los países bajos y compartir con ellos experiencias y consejos, se presentó ante el monarca del que salió muy contento y agradecido, ya que no sólo había conservado su paga, si no que había aumentado al regalarle al nuevo monarca varios de sus cuadros y este quedara muy asombrando por la gran calidad del trabajo.

Alberto Durero volvió a su natal Núremberg a quienes les regaló una de sus mayores obras, Cuatro Apóstoles, una de las últimas creadas por el artista y donada a la ciudad en agradecimiento al buen trato recibido durante todos los años que había vivido allí.

El merito que se le atribuye a Alberto Durero es que consiguió combinar perfectamente la fuerte tradición alemana, arraigada en siglos de historia con las ideas frescas y renovadoras del renacimiento italiano, creando un nuevo estilo, factible y al que le gusta a todo el mundo, cogiendo los mejores rasgos de cada estilo.

Aquí un vídeo para conocer mas sobre el artista.

 

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Francisco de Goya, pintor y grabador español https://queesarte.com/francisco-de-goya-pintor-y-grabador-espanol/ https://queesarte.com/francisco-de-goya-pintor-y-grabador-espanol/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:37:34 +0000 https://queesarte.com/?p=230 Francisco de Goya – Un artista atormentado Francisco de Goya y Lucientes (1746 – 1828). Nacido en un pequeño pueblo de Zaragoza, pronto comenzó a despertar su interés por la pintura y el arte. Después de una primera etapa donde iba mejorando poco a poco su estilo, no fue hasta el viaje que realizó a Italia en 1770, donde se ...

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Francisco de Goya – Un artista atormentado

Francisco de Goya y Lucientes (1746 – 1828). Nacido en un pequeño pueblo de Zaragoza, pronto comenzó a despertar su interés por la pintura y el arte. Después de una primera etapa donde iba mejorando poco a poco su estilo, no fue hasta el viaje que realizó a Italia en 1770, donde se embriaga por el latente neoclasicismo de la época, que hará cambiar su forma de pintar a su vuelta a Madrid, donde se establece durante un largo periodo de su vida.

Junto al barroco tardío que aprendió en su adolescencia y las influencias un pintor de estilo Rococó cambió los cuadros por los murales de palacio. Fue un pintor de cámara el cual decoraba los grandes salones con sus pinturas en cartón.

En 1793 una grave enfermedad comienza alejarlo de la realidad más plausible, muchos años después se descubrió que tenía un principio de sordera que terminó, a medida que esta iba avanzando, por construirse una realidad paralela que sólo podía expresar mediante sus cuadros.

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Francisco de Goya 4_optEnLa guerra de la independencia sacó el lado más liberado de Goya, las pinturas de aquella época reflejaban lo que era una guerra, sin héroes ni villanos, sino la guerra, cruel y descarnada que se vivía en aquel momento, famosas fueron la serie de estampas de Los desastres dela guerra.

Su maja desnuda le devolvió a la clase de pintor de la burguesía donde en muchas fases de su vida se dedicó a realizar retratos de los marqueses y gente de alto rango de la sociedad madrileña.

El cuadro del levantamiento del dos de mayo, sobre los fusilamientos de la casa de campo que estaban practicando los franceses una vez restablecida la situación fue uno de los mejores ejemplos de la pintura de Goya. Con él, se descubrió un nuevo genero en el que se podía contar la historia tal y como fue, sin darle matices, y eso es lo que hace sea mundial, al mandar un mensaje sin lengua, simplemente por la pintura, de un hecho que pasó realmente en la ciudad de Madrid cuando las revueltas callejeras se alzaron en armas con el invasor francés.De sus primeros años de la capital, aparte de los tapices, sus obras para la pequeña burguesía que había en la ciudad fueron muy reconocidas por los críticos internacionales, los cuales comenzaron a popular sus obras por los círculos de arte de medio mundo.

1793, a raíz de su enfermedad, también decidió desvincularse de los hilos oficiales del arte que había en el país en ese momento, haciendo un alegato contra la libre expresión y la elección de un estilo particular es lo mejor para fomentar el arte en su máxima expresión. Esto no gustó demasiado a los académicos allí presentes, ya que pretendía instaurar el estilo prerromántico, nada habitual a la época.

Una vez emitido el discurso, se retiró a Cádiz, deshaciéndose de todos sus compromisos de la capital alegando la enfermedad, incluso dejó la academia, y comenzó a dedicarse a lo que él realmente quería.

Durante todo un año poco se sabe de él, solo que una vez recuperado de su enfermedad, remitió unos cuadros a la Academia de San Fernando con una nota explicatoria de que como no tenía ningún compromiso y tenía más tiempo, los cuadros tienen otras lecturas, y así lo fue, hoy en día, esa serie de cuadros que remitió a la academia, son considerados como los inicios de la pintura romántica en España.

En 1795 se establece en la Academia de Bellas Artes con la plaza de Director de Pintura, y también pidió la plaza de primer pintor del Rey, puesto que le fue concedido en 1799, pero eso no le privó de retratar al Duque de Alba y otros aristocráticos de la época.

Los grabados también fue unas de sus principales fuentes de ingreso y de inspiración durante casi toda su vida. Los grabados siempre han sido considerados un arte menor dentro del mundo de los pintores, pero hay que ser realmente habilidosos y bueno como pintor para lograr obras de arte de unos simples grabados.

La sordera le hizo ir encerrándose cada vez más en su mundo interior, de donde nacieron la época de las pinturas negras de Goya. Para muchos, una muestra clara de la locura que comenzaba a padecerle, para otros, una muestra más de cómo el estilo del artista fue evolucionando hasta convertirse en una expresión del romanticismo más tenebroso, donde el juego de las luces, los efectos del pincel, daban una gran sensación de conformar diferentes estilos en sus 14 murales, introduciendo muchos estilos que estaban por venir como la abstracción o el expresionismo.

Trasladadas a lienzos que se exponen en el museo del prado, esta serie de representaciones encumbran el estilo goyesco hasta extremos hasta el momento no visto. La quinta del Sordo, su particular villa fue el lugar elegido para pintarlos y que decoraran las paredes de su casa, aunque murió en Francia, siembre tuvo mucho cariño a esta pequeña villa.

Francisco de Goya 2_optSu estilo goyesco ha sido escuela para muchos pintores posteriores a él, buscando igualar las genialidades que Goya tenía, pero siempre tenía una chispa, un punto diferenciador con el resto por lo que su estilo era inimitable.

Durante sus últimos años se dedicaba a pintar escenas cotidianas, pero transformadas en su cabeza de una forma lúgubre y oscura, como resultado, cuadros como el de Dos viejos comiendo sopa, asustaban en un inicio por la perfilación de las caras, los colores y la expresiones de los integrantes del cuadro, pero a la vez gustaba por la simplicidad a fin de cuentas que encierra el cuadro, la forma de retratar la vida cotidiana de una forma artística.

Francisco de Goya siempre fue un gran pintor, en sus diferentes etapas a lo largo de su vida, dio diferentes puntos de vista mediante sus cuadros, desde plasmar los retratos de la alta burguesía, hasta ilustrar los horrores de la guerra. Las pinturas negras es la guinda que se le pone a su vida que terminó en una cama de Burdeos sin que pudiera darle el último adiós su hijo Javier.

 

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Salvador Dalí, uno de los máximos representantes del surrealismo https://queesarte.com/salvador-dali-uno-de-los-maximos-representantes-del-surrealismo/ https://queesarte.com/salvador-dali-uno-de-los-maximos-representantes-del-surrealismo/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:34:28 +0000 https://queesarte.com/?p=225 Salvador Dalí – Un loco muy cuerdo Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech (1904-1989) . Nació y murió en Figueras pero sus obras y sus viajes han recorrido el mundo entero, al igual que su inigualable locura-cuerda de la que hacía gala en más de una vez. Mago del surrealismo y del dadaísmo entre otros estilos, siempre su vida estuvo ...

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Salvador Dalí – Un loco muy cuerdo

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech (1904-1989) . Nació y murió en Figueras pero sus obras y sus viajes han recorrido el mundo entero, al igual que su inigualable locura-cuerda de la que hacía gala en más de una vez.

Mago del surrealismo y del dadaísmo entre otros estilos, siempre su vida estuvo rodeada de la polémica, el lujo y en muchos casos la extravagancia con la que se hacía notar Dalí estuviera donde estuviera.

Su trabajo es muy completo, desde la pintura y la escultura, pasando por la fotografía y los cortometrajes, su estilo era muy diversos y cambiante, según las ganas y la fuerza que tuviera el artista en ese momento, se dedicaba a una cosa u otra.

La vida de Dalí estaba muy marcada en lo espiritual desde bien jovencito, donde durante su infancia tuvo que afrontar unas duras afirmaciones de su padre, al llevarle a la tumba de su hermano mayor fallecido poco tiempo antes de nacer Dalí, y afirmar su padre que él era la reencarnación de su hermano, una idea que la llevó sobre la cabeza durante muchos años, pensamiento existencial que luego plasmó en su obra.

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Salvador DaliDalí se formó y vivió muchos años en la academia de estudiantes de Madrid, lugar célebre donde se gestaban los nuevos genios del país. Compartió residencia con personas muy conocidas como Luis Buñuel, con el que años más tarde trabajaría o con Federico García Lorca, con el que vivió una relación amorosa que terminó con la expulsión de la academia de Dalí, al entrar en enfrentamiento con sus profesores, al afirmar Dalí que no tenían el nivel suficiente para poder evaluarle.

El genio de Dalí siempre le ha ido acompañado durante toda su vida, una vez acabados sus estudios en Madrid, fue hasta París para seguir formándose en el cubismo, un estilo que le había cautivado pero el que no podía progresar en España al no existir referentes de ese estilo.

Allí pronto entabló amistad con Pablo Picasso o Joan Miró, referentes para Dalí que luego también se convirtieron en seguidores del arte de Dalí y sus tendencias. Durante esa época, las pinturas de Dalí muestran diferentes estilos. Desde las influencias clásicas como Velázquez, del que se dice que copió el bigote hasta de la vanguardia más revolucionaria, por ello, no se le pudo encasillar en un estilo claro por lo que pronto empezaría a llamar la atención.

Pronto en París encontró su sitio en un grupo de pintores surrealistas lo cuales le acogieron con gran agradado he incluso le impusieron el nombre al nuevo estilo de pintura que estaba realizando Dalí, el método paranoico-crítico, el cual, mucho más allá de la locura aparente que puede representar la obra, se pretende indagar en el subconsciente del espectador para que tanto el pinto al crear su obra como el espectador al verla, puedan sentir las mismas conexiones y no quedarse en lo meramente visual sino en el sentido en sí.

Gala, el amor que le acompañaría toda su vida, fue una musa para muchas de las obras que realizó Dalí, tanto de pintura como en cortometrajes, en uno de Luis Buñuel la conoció, Gala siempre ha estado presente en la obra de Dalí durante muchas fases de su vida.

Salvador Dali 2En 1934 se casaron en una ceremonia civil a la cual su padre estaba en contra, lo que le llevó a la expulsión de su casa y quedarse sin la herencia familiar. Durante el resto de años hasta la segunda guerra mundial, Dalí va viviendo un desprecio progresivo de sus propios compañeros de movimiento, los cuales, la mayoría de izquierdas, critican la falta de acción contra la nueva fuerza política que está naciendo en Alemania, el partido nazi. Y es que nunca había mostrado opiniones públicas decantándose por ningún bando, lo que no gustaba nada a sus compañeros de movimiento.

Fue invitado un par de veces a los Estados Unidos donde recibiría un gran reconocimiento, y los que vivieron una buena muestra de su surrealismo, lo cual le obligo a proferir alguna disculpa por el poco tino que tuvo cuando eligió un disfraz de un bebe y un asesino de un suceso muy reciente en los Estados Unidos y que no fue entendido.

Esta disculpa hizo enfadar aún más a sus compañeros de movimiento, que después de un juicio particular, se decidió su expulsión del grupo, lo que desencadenó la famosa frase de Dalí, el surrealismo soy yo.

Al poco tiempo tiene que huir de la guerra y se marcha a los Estados Unidos, lugar en el que vive 8 años y donde va evolucionando su estilo y su arte. Va descubriendo nuevas formas de expresarse escribiendo guiones de cine, su propia biografía, los textos de sus exposiciones…, Dalí también colabora con Disney, así como en anuncios y decoración. Cambia los pinceles por un arte más tangible, más grande y más surrealista.

Salvador Dali 4Una vez asentado en Portlligat, en su regreso a España en 1949, fue también clave para aquellos que lo querían seguir atacando, más políticamente que artísticamente, para intentar demostrar ciertas afinidades con la derecha.

También es criticado que no pinte y que se dedique más a los escaparates, pero esto es replicado por Dalí al crear exponer en diferentes exposiciones unas recopilaciones de sus mejores trabajos, como La persistencia de la memoria, uno de sus mejores trabajos de toda su carrera.

Los últimos años de Dalí es una época de pocos trabajos, se dedica a realizar pequeños cuadros mientras la enfermedad se lo va llevando poco a poco, a él, y a su mujer Gala, la cual muere poco tiempo antes que Dalí.

Después de varios intentos fallidos de quitarse la vida, Dalí es nombrado Marqués de Púbol por el Rey de España, Juan Carlos I, y este se lo agradece con un grabado, que a la postre, será el último adjudicado a Dalí fehacientemente, ya que se teme, que en sus últimos momentos, varias personas le pidieron que firmara lienzos en blancos para luego venderlos, por lo que de esta época poco se considera original al 100%.

Dalí es el mejor ejemplo del surrealismo, donde llevó su obra a su vida, y desde allí también creó arte. Supo evolucionar y buscar todas las formas para expresar su pensamiento sin importarle jamás los pensamientos de los críticos.

 

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Claude Monet, uno de los creadores del impresionismo https://queesarte.com/claude-monet-uno-de-los-creadores-del-impresionismo/ https://queesarte.com/claude-monet-uno-de-los-creadores-del-impresionismo/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:29:25 +0000 https://queesarte.com/?p=223 Claude Monet – El padre del impresionismo Oscar Claude Monet (1840 – 1926) Nacido en París, en el seno de una familia de clase media, pronto tuvo que mudarse hacía la zona costera junto a su familia al puerto de El Havre, lugar donde vivía su tío que dio trabajo a su padre. En esta ciudad fue donde comenzó los ...

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Claude Monet – El padre del impresionismo

Oscar Claude Monet (1840 – 1926) Nacido en París, en el seno de una familia de clase media, pronto tuvo que mudarse hacía la zona costera junto a su familia al puerto de El Havre, lugar donde vivía su tío que dio trabajo a su padre.

En esta ciudad fue donde comenzó los estudios y se formó como persona. Durante su adolescencia, Monet se comenzó sus clases de dibujo en la escuela, y se hizo popular entre sus compañeros por las caricaturas que les realizaba a los profesores.

Con el tiempo, comenzó a exponer sus caricaturas en una tienda local junto a otro artista local, Boudin, el que más adelante le dio la idea de dibujar paisajes. Poco a poco se fue haciendo famoso en el pueblo y comenzó a realizar caricaturas por encargo a diferentes personas de la ciudad, ese dinero fue siendo administrado por su tía y llegó a conseguir la increíble cifra de 2 mil francos en pocos años.

Después de la muerte de su madre, la tía tomó las riendas de su educación, así como el padre, después de la muerte de el tío de Monet, tomó las riendas del negocio, trasladando a la familia en varias ocasiones.

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Claude Monet 2Pero Monet necesitaba ir a París, y para ello solicitó una beca que fue rechazada, y con sus propios recursos fue hasta París. Pero una vez allí, decidió cambiar el destino a la escuela suiza, famosa por tener una visión más futurista del arte, entró en una fuerte discusión con el padre por no elegir la academia École des Beaux-arts, que era la que en ese momento regía los cánones artísticos del país y de medio mundo.

Pero su paso por la escuela suiza le vino muy bien para optimizar y mejorar su estilo, allí también estudió las figuras y compartió impresiones con otros pintores de la época, los cuales ya estaban exhibiendo un arte diferente al de París y que a Monet le gustaba mucho.

En 1861 le llamaron para el servicio militar, del cual pudo librarse si pagabas una gran suma de dinero, que la familia estaba dispuesta a pagar, si a cambio regresaba a El Havre y se encargaba del negocio familiar, opción que descartó y se fue al frente de caballería de Argelia, donde duró bastante poco, ya que al año ya estaba devuelta por culpa de una enfermedad.

Una vez recuperado, y liberado del servicio militar por los 3 mil francos que pagó su tía para que no tuviera que volver, regreso con más fuerza a la pintura. Comenzó una nueva etapa en la que visitó varios maestros, hasta llegar al taller de Charles Gleyre, en el que coincidiría con otros pintores como Pierre-Auguste Renoir o Frédéric Bazille, su gran amigo que le ayudaría en bastantes momentos complicados de su vida, sobretodo monetarios.

Su gusto por el paisajismo se fue haciendo notar a medida que emprendía más y más viajes por distintas zonas de Europa para retratar los mejores paisajes. Junto a su amigo Bazille se fueron a Normandía, Barbizon, y otros lugares como estanques, valles o ríos, eran escenarios perfectos para Monet.

En 1865 montó su propio taller en París junto a su amigo Bazille, desde allí comenzaron a producir obras para exponerlas en las diferentes galerías y reuniones que se iban celebrando por la ciudad para conseguir ese apoyo financiero que tanta falta le hacía.

Las obras tenían una buena acogida, pero no la necesaria para pagar grandes sumas de dinero por ellas, aunque seguía exponiendo en grandes galerías y recibiendo grandes encargos. Uno de ellos es el cuadro que le mandaron pintar para la exhibición del salón de 1866 llamada El desayuno, una monumental obra que no consiguió terminar a tiempo y que sustituyó por Camille con vestido verde, cuya modelo sería su mujer años más tarde.

Pero no logró obtener el apoyo económico necesario y se vio en serios problemas financieros durante un tiempo, hasta el punto de fingir una ruptura sentimental para conseguir dinero para el hijo que iba a nacer.

Los siguientes años hasta el 1870 de su estancia en París, son de mal en peor, sus obras son rechazadas de las exposiciones por no estar en la misma sintonía que el resto de las obras, y es que, su faceta de pintor impresionista había comenzado a mostrarse ante la sorpresa del gran público.

Claude Monet 3Sus obras comenzaron a variar, y mostrarse diferentes, algo que la sociedad parisina de aquella época, ni los críticos aceptaban, por lo que su economía se fue mermando cada vez más hasta que llegó a Londres, donde fue conociendo a diferentes personas que volvieron a introducirle en el mercado del arte.

Muerto su amigo Bazille, y una vez acabada la guerra, tocaba volver a empezar en Francia, aunque esta vez, el dinero si le acompañaría, gracias a una pequeña herencia de la muerte del padre de Monet y la dote de su mujer, logra establecerse en una pequeña villa donde monta un nuevo taller y comienza a trabajar como pintor paisajista con buenos resultados.

El impresionismo estaba ya instaurado en mucho de los pintores que había en la época, pero no se podía enseñar de la misma forma que el arte contemporáneo, por lo que junto a unos amigos decidió formar un grupo para exhibir por su cuenta los cuadros, lo que no llego a tener mucho éxito y se deshizo la sociedad, pero ya estaba plantada la semilla que más tarde crecería.

En 1878 nace el segundo hijo de Monet y deciden irse a otra casa, junto a Alice Hoschedé y sus 6 hijos, cuyo marido estaba declarado en bancarrota. Toda la familia se instala en Vétheuil, donde al año moriría la mujer de Monet de un aborto provocado.

Claude Monet 4Durante la siguiente época, la buena situación económica de la que disponía le dejaba poder viajar para seguir pintando por el mundo, así llegó de la costa azul a Londres de nuevo, y un sinfín de sitios que quedaron retratados en sus cuadros, los cuales se vendían a un buen ritmo.

También fue formando su pequeño oasis en su casa, con un jardín cada vez más grande, fue comprando y adaptándolo para su gusto, un jardín que ha quedado inmortalizado en sus numerosos lienzos y que despertó la curiosidad de un sinfín de personalidades.

Sus últimos años de vida los pasa entre la depresión de ir quedándose ciego debido a las cataratas, y la alegría de una nueva boda. Sus hijos fueron casándose a lo largo del tiempo, y se sintió solo con la muerte de su mujer.

Aunque volvió a recuperar la vista y con ello volvió a pintar sus últimos paisajes, no volvió con el mismo vigor y espíritu ya que la depresión lo atenazaba, y pocos años después murió en su cama de Giverny en 1926.

 

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Andy Warhol, artista plástico y cineasta https://queesarte.com/andy-warhol-artista-plastico-y-cineasta/ https://queesarte.com/andy-warhol-artista-plastico-y-cineasta/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:26:22 +0000 https://queesarte.com/?p=220 Andy Warhol – El precursor del Pop Art Andy Warhol (1928 – 1987). El tercer hijo de una familia de inmigrantes eslovacos, Andy se crió en una infancia que le mantuvo postrado a la cama durante varios meses por la enfermedad conocida popularmente como el Baile de San Vito. A pesar de estos duros meses, en los que su mayor ...

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Andy Warhol – El precursor del Pop Art

Andy Warhol (1928 – 1987). El tercer hijo de una familia de inmigrantes eslovacos, Andy se crió en una infancia que le mantuvo postrado a la cama durante varios meses por la enfermedad conocida popularmente como el Baile de San Vito.

A pesar de estos duros meses, en los que su mayor distracción era escuchar música y pintar, fue para él un estimulo y como declararía muchos años más tarde, fue el momento que le hizo contemplar la realidad de otra forma. Las innumerables horas que se tiraba su madre viendo los programas del corazón y la prensa sensacionalista del momento le hizo ir empapándose de un sector en el que se ganaría la vida muchos años después.

Se graduó en Arte Comercial, y enfocó sus primeros pasos a la cartelería y publicidad, en el que se hizo un hueco muy rápidamente por su original estilo y su forma diferente de contemplar los productos y como hacerlos más atractivos al gran público.

Ese talento no pasó desapercibido para los magnates de la industria de la música, que se veían expuestos en un nuevo mercado, en el que los discos llevaban portadas, que tienen que ser atractivas para sobresaltar con la competencia, y no dudaron en contar con los servicios de Andy Warhol para tal fin.

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Andy Warhol 3Sus estilos tan llamativos no se centraron en el mundo de los discos, ya que comenzó a trabajar de forma freelance para otros clientes tan importantes como Coca-Cola o la sopa Campbell, uno de los mayores iconos reconocibles de este artista, los cuales, con sus series de 100 latas consiguió exponer en los mejores museos.

Pero el inicio oficial del Pop Art en la costa oeste no llegaría hasta su primera exposición en 1962, donde ya se mostró al mundo sus diseños atrevidos, sus colores extravagantes y su particular visión de cómo vender un producto a la sociedad.

Una de las mayores cosas que estaba orgulloso es que había sabido interpretar a la sociedad capitalista y consumista que le rodeaba, y por ello, conseguía crear los mejores diseños, con los que conseguía diferenciar sus productos de la competencia y granjearse una fama entre los críticos locales más incisivos.

Todo ello no pasó desapercibido para la parte comercial y empresaria de Andy, lo que le llevó a fundar su propia compañía de publicidad, The Factory, un lugar en el que la bandera de la imaginación y la innovación hondeaba con más fuerza que nunca.

Durante los años 60 fue la mejor época de Andy Warhol, o así al menos lo interpretaba la crítica. Fueron años en los que la imaginación lo era todo, y consiguió agrupar en su estudio de diseño a grandes pensadores, dibujantes de todos los estilos y guionistas con lo que creó una serie de películas, cortos y obras publicitarias de un gran alto nivel.

Pero no todo era buenos comentarios, durante toda su obra, Andy Warhol tuvo una serie de críticos muy mordaces sobre su obra, ya en 1962, durante una conferencia en el famoso MOMA sobre el Pop Art, a la que Andy estaba invitado, se despertaron las primeras críticas hacia su movimiento.

Las críticas se centraban durante este debate en la extravagancia que trae este nuevo estilo, en el que primero busca llegarse a si mismo antes de llegar al gran público, ya que muchas personas no son capaces de comprender ese arte que subyace o se sobreentiende de las figuras.

Su idilio con las clases altas siempre ha ido al contrario de con el resto de público, ya que cuando más gustaba a las personas corrientes, por así llamarlas, aunque no entendieran el complejo mensaje que muchas veces podía mandar el artista, admiraban la originalidad y las nuevas formas y estilos planteados.

Por el contrario, la mayoría de los críticos del momento, así como las altas esferas de la sociedad, no entendían el estilo, ni lo querían apreciar ni comprar, no querían verse involucrados en un estilo enfocado al consumismo, como así era denominado, por lo que durante esta década, sus ingresos venían centrados de la publicidad y de los mercado minoristas que surgían por las ciudades.

Andy WarholEn 1964 fue un punto clave en la vida artística de Andy Warhol como de aquellos coetáneos que pretendían hacerse un hueco en este mundo mediante el estilo Pop Art. La exposición celebrada en la galería Paul Bianchinni llamada The American Supermarket, fue el primer encuentro directo que tenia el gran público con las obras del estilo Pop Art.

Cada artista colaboró con un objeto de su colección que mejor encajara con la temática del lugar, y como no podía ser menos, Andy Warhol eligió la lata de tomate Campbell, que en ese momento ya estaba valorada en más de mil dólares y la acogida no pudo ser mejor, eso dio un punto de motivación para seguir por esa senda y seguir evolucionando su estilo.

Un hecho clave cambió la vida de Andy Warhol para siempre, un ataque sufrido por uno de sus antiguos ayudantes mediante varios disparos dio con el cuerpo de Andy varios meses ingresado en el hospital.

Aunque un balazo fue leve, recibió dos más que si le afectaron partes más importantes, aunque nunca corrió peligro su vida, le hizo cambiar de perspectiva y visión del momento, sus pasos cambiaron de dirección, y nunca más volvió a recuperar la misma magia, ni fundando su famosa revista Interview.

La época de los 70 fue mucho más reservada e íntima, donde se reservo en su mayoría a realizar retratos y encargos de las grandes fortunas de Europa y América. También fue criticado por venderse al arte del negocio, pero nunca hizo declaraciones públicas ante esas críticas, pasando a un segundo plano en la sociedad mientras seguía ampliando su patrimonio mediante inversiones y pedidos especiales, como el pintar varios coches de mítica carrera de las 24 horas de Lemans.

La década de los 80 fue como un volver a lo pasado para Andy Warhol, el cual, dejó de realizar tantos retratos y volvió a diseñar y dibujar lo que a él más le gustaba, que es la publicidad para las masas. Fueron años de altibajos intentado recuperar su estilo hasta que murió por un problema producido en el post-operatorio.

Una vida dedicada a la publicad y a los productos que en ella sale, nunca fue comprendido por los críticos, pero el sabía muy bien lo que quería y como conseguirlo, y así lo fue haciendo durante toda su vida.

Aquí un homenaje al artista.

 

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Paul Cézanne, pintor francés postimpresionista https://queesarte.com/paul-cezanne-pintor-frances-postimpresionista/ https://queesarte.com/paul-cezanne-pintor-frances-postimpresionista/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:23:17 +0000 https://queesarte.com/?p=218 Paul Cézanne – El padre del modernismo Paul Cézanne (1839 – 1906). Nacido en el seno de una familia acaudalada de Aix en Provence en Francia, Paul Cézanne pudo encaminar pronto sus intereses sobre la pintura al apuntarse a la academia suiza, una institución privada encargada de formar y preparar a los alumnos para que superen las pruebas de acceso ...

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Paul Cézanne – El padre del modernismo

Paul Cézanne (1839 – 1906). Nacido en el seno de una familia acaudalada de Aix en Provence en Francia, Paul Cézanne pudo encaminar pronto sus intereses sobre la pintura al apuntarse a la academia suiza, una institución privada encargada de formar y preparar a los alumnos para que superen las pruebas de acceso al École des Beaux-Arts, una de las mejores instituciones del mundo y el sueño de todo pintor nobel para seguir progresando.

Su estilo siempre ha sido enclavado en un postimpresionismo muy poco entendido y apreciado en la época, la vida de Paul fue bastante difícil, como la mayoría de pintores revolucionarios en su estilo, y tuvieron que pasar muchos años para que al fin pudiera ser reconocida su obra.

Su particular estilo nunca fue aceptado de primeras, ni por la crítica ni por el resto de profesores, por lo que fue denegada su solicitud al considerar que no tenía el suficiente talento para ingresar en la academia debido a sus figuras desiguales y sus colores caóticos.

Durante su estancia en París antes de regresar por primera vez a su ciudad natal, descubrió las pinturas de Caravaggio y Velázquez lo que dio un giro a su pintura y su pensamiento durante el siguiente periodo, y le sirvió para asentar las bases de obra.

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Paul Cézanne1Después de una corta estancia en su ciudad trabajando para el banco de su padre, volvió a París con la idea de terminar los estudios y consagrarse como pintor, para ello, con la ayuda de la renta que le pasaba su padre, pudo establecerse primero en Suiza, donde comenzó a conocer a otros pintores de su época como Camille Pissarro, con el que entroncaría una gran amistad durante muchos años.

Durante este periodo, descubrió el paisajismo, junto a la mano de pintores románticos, dio un nuevo giro a sus pinturas del mundo rural, donde se quedó fascinado y sería una imagen que jamás olvidaría. Pero no se encajaba al estilo normal y habitual de hacer arte de la época, por lo que incluso en sus paisajes daba su propia impronta y se hacía ver que el lienzo era de otro estilo.

Las exposiciones y Paul Cézanne nunca han ido de la mano, siempre ha sido considerado un pintor de pintores, un mentor para otros pintores pero no un exponente en el que la crítica pueda mostrar su aprobación, y así se lo hicieron ver en las pocas exposiciones que hizo hasta 1894 cuando ya era más respetado en el circuito del arte, pero ni aún así quiso exponer demasiado.

Sus obras siempre recibían las críticas más crueles, con adjetivos que llegaron a dañar al propio pintor. La crítica los mostraba como algo cercano a lo grotesco, al no tener la perfecta geometría a la que estaban acostumbrados y salirse de los cánones del arte del momento.

Por ello, después de unas pocas exposiciones con sus amigos del grupo de pintores, decidió no volver a enseñar sus obras y se recluyó en su mundo interior, lo que le llevaba a tratar sólo con aquellos que decidían acercarse hasta su estudio.

Se casó y tuvo un hijo, Paul, pero ello no le trajo de nuevo al mundo social. De carácter reservado y humillado por las críticas, decidió encerrarse en su propio estudio durante largos periodos de tiempo. También le llevó a cambiar de residencia varias veces buscando siempre la soledad de las tierras más alejadas de las grandes ciudades para buscar la tranquilidad necesaria para seguir pintando sus apreciados paisajes.

En sus numerosos viajes entre París y la Provenza, volvió a tener contacto con Pissarro, el cual le hizo de mentor para que lograra perfeccionar y congeniar así mejor con la crítica. Tal fue la amistad de estas dos personas, que Cézanne terminó por nombrar a Pissarro como su padre, su Dios y su referente en la pintura, y Pissarro no se quedaba atrás en los halagos, tratando como un igual al joven Paul Cézanne, presentando a personas importantes del mundo del arte que después le empezaron a abrir puertas.

Muchos fueron los marchantes y amigos que se acercaron hasta su estudio casi siempre cambiante, unas veces en su ciudad natal, otras en aldeas remotas de la montaña, para seguir intentando devolverle al circuito oficial del arte, y un marchante amigo suyo lo logró en 1877.

Consiguió un espacio en una exposición después de muchos años de su última exhibición pública y volvió a ser un fracaso, el retrato de Chocquet, el cual fue de los más criticados de toda la exposición lo que llevó a otros años sin volver a enseñar sus obras.

Paul CézanneSignificativas visitas como la de Monet y Renoir a su estudio apreciando su trabajo le dio un nuevo empuje a su carrera, ya que las nuevas generaciones comenzaban a comprender y apreciar el arte que Paul Cézanne atesoraba en sus lienzos. Sus pinturas sobre los paisajes de la zona sorprendieron a Renoir y junto a otros amigos, ayudó a que volviera a exponer en una gran galería. En este caso la crítica fue neutral, hecho que agradeció de sobremanera el pintor, ya que notaba que comenzaba un cambio de tendencia en el arte, que el había sido un precursor demasiado adelantado a su tiempo y así se comenzaba a reflejar en sus cuentas.

En 1886 a los 47 años de edad, le llegó la tan ansiada libertad económica, se casó con su novia Hortense, pudo descubrir una nueva fase de su vida, la vida en pareja, la cual nunca le había atraído la idea pero si el hecho de concebir una familia.

Aunque la felicidad le duraría bien poco, a los 4 años comenzaron los problemas, primero los de salud, con la diabetes le cambió el carácter y tan sólo deseaba estar solo, por lo que al poco tiempo se separó de su mujer y de su hijo y decidió irse a vivir a un pequeño terreno que había comprado en las faldas de una montaña desde donde tenía un bello paisaje para pintar.

Y poco a poco se fue quedando sólo, pero en contrapunto, fue una de las mejores épocas artísticas de Paul Cézanne, donde elaboró grandes cuadros de distinto tipo, hasta religiosos, antes de morir por causa de una pulmonía. A su muerte, su obra comenzó a revalorizarse enormemente, convirtiéndolo póstumamente en un gran artista.

 

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Rembrandt, pintor y grabador neerlandés https://queesarte.com/rembrandt-pintor-y-grabador-neerlandes/ https://queesarte.com/rembrandt-pintor-y-grabador-neerlandes/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:14:04 +0000 https://queesarte.com/?p=216 Rembrandt – La vida barroca Rembrandt (1606- 1669). La vida de Rembrandt Harmenszoon van Rijn siempre ha tenido altibajos, donde en una infancia en la que podía permitirse un ritmo de vida superior al de la media, consiguió asistir a la universidad y dar las clases en latín. Desde muy joven siempre había mostrado interés por la pintura, en sus ...

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Rembrandt – La vida barroca

Rembrandt (1606- 1669). La vida de Rembrandt Harmenszoon van Rijn siempre ha tenido altibajos, donde en una infancia en la que podía permitirse un ritmo de vida superior al de la media, consiguió asistir a la universidad y dar las clases en latín.

Desde muy joven siempre había mostrado interés por la pintura, en sus ratos libres comenzaba a realizar bocetos y cuadros que más tarde rompía. Una vez instalado en Leiden, inició las clases con un conocido pintor local, Jacob van Swanenburgh, el cual durante más de tres años le ayudó a perfeccionar sus dos estilos, la pintura y el grabado enclavados en un barroco que pronto empezó a gustar a los críticos y al gran público.

El último empujón para iniciar su propio estudio se lo dio Pieter Lastman en Ámsterdam, experiencia que se le quedaría grabada en su interior y que más tarde volvería a pisar la ciudad.

Fundó su estudio en Leiden con gran aceptación tanto local como nacional e internacional, recibiendo encargos de retratos de los más diversos personajes de la época que no les importaba pagar los abultados precios que tenía Rembrandt.

Las clases fueron su otro apoyo durante toda su vida, fue acogiendo a nuevos pintores durante toda su vida, muchos de ellos famosos años después como Gerrit Dou. Pero todo cambió en 1629, hasta ese momento, Rembrandt trabajaba para las personalidades locales, con cierta fama pero sin cierto beneficio, hasta que vino Constantijn Huygens, el cual le proporcionó los contactos adecuados para hacer ver a todo el mundo, y así cambió su vida.

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Rembrandt 3En 1931 decidió dar un nuevo rumbo a su vida y mudarse a Ámsterdam, la ciudad Holandesa con mayor crecimiento era un foco de nuevas tendencias y de mercaderes y gente notable. Una burguesía a la que quería atraer y conquistar Rembrandt y lo hizo realmente bien.

Al principio vivió en la casa de un marchante amigo suyo hasta que conoció a su futura esposa, Saskia, con la que se casó al año y ya se mudaron a su propia casa, en uno de los barrios más lujosos de la ciudad.

Su tren de vida era realmente alto, había entrado en la burguesía local y también trataba con monarcas y condes de media Europa, por lo que su nivel de ventas fue creciendo considerablemente, a la par que su nivel de gastos, lo que siempre le mantuvo en una situación de cierto equilibrio que pocas veces jugó a su favor.

Durante sus años en Ámsterdam fueron los más productivos, en cuanto al número de lienzos y cuadros y grabados que sacaba al mercado, como por la calidad de sus obras, en las cuales, se puede ver la evolución que ha ido teniendo Rembrandt al cabo de los años.

Sus obras adquirieron unos rasgos únicos, su manejo de la luz y las sombras, así como los escenarios planteados fueron realmente sublimes. La época de Ámsterdam por lo general se divide en dos periodos, el primero, hasta el 1636, en el que su adaptación a la ciudad le hace cambiar su estilo un poco, hace menos retratos y se centra en las escenas bíblicas, por su gran manejo de los iconos y su conocimiento de la biblia, muchas escenas son representadas jugando con lo que dice la biblia y lo que quiere expresar el autor, ello da una mezcla perfecta, aceptada tanto por la iglesia como por el gran público.

Desde entonces hasta la llegada del llamado periodo tardío, en el 1650, Rembrandt volvió a mostrar un amplio abanico en su gran repertorio de temas y estilos. Empleando los más diversos tamaños de cuadros, volvió a su paisajismo y a los retratos que tanto le habían gustado, sin olvidar los temas religiosos, dando un nuevo enfoque, más moderno y actual centrándose en los temas del nuevo testamento.

También las escenas de campo y cotidianas fueron muy apreciadas, al igual que nos mostró las primeras autopsias que pudo ver la gente normal en uno de los cuadros más conocidos de este artista, La lección de anatomía del Doctor Tulp.

La ronda de noche es uno de sus cuadros más diferentes descubierto, llamado así inicialmente por los colores apagados que mostraba el cuadro, habían quedado igual que el estado original solo una pequeña zona del cuadro, pero los caprichos de la conservación, dio un nuevo enfoque al cuadro, totalmente imprevisto y curioso, ya que el cuadro original se estima que era un paseo de día por las calles de la ciudad.La última etapa de Rembrandt tanto en lo personal como en lo profesional fue bastante negra, debido a diferentes complicaciones tres de los cuatro hijos que había tenido Rembrandt con su mujer fallecieron, y cuando nació el cuarto, murió la mujer por tuberculosis.

Rembrandt 4Todo ello se le fue sumando a la crisis económica que sufría, donde gastaba más de lo que ganaba, y gracias a la simpatía que generaba tanto en sus acreedores como en el gobierno de la ciudad, siempre disfrutó de una posición preferente para hacer frente a sus pagos evitando que se declarara en banca rota.

Después de varios líos amorosos con sirvientas, en los que la iglesia intervino, su popularidad nunca dejó de bajar, y cada cuadro que pintaba era vendido en un alto precio al poco tiempo. Un momento único para estabilizar las cuentas pero que no logró rehacerse.

Los encargos nunca dejaron de llegar, ni los jóvenes aprendices que querían aprender del gran maestro holandés del momento, por ello, y por los problemas económicos decidió seguir aceptando nuevos pupilos a la vez que seguía su producción de retratos a altas personalidades.

Pero la ruina se lo llevó por delante, y ni la ayuda de su único hijo ni de sus amigos, pudieron sacarle de la ruina que le acompaño hasta su muerte. Además, por si era poco, su hijo murió un año antes de que él muriera y sólo quedó una nieta en la familia. Él sin embargo, fue olvidado y enterrado en una tumba sin nombre de la ciudad, un mal final para un magnifico pintor, el mejor y más recordado, según la opinión de los expertos del siglo de oro holandés

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Frida Kahlo, una gran pintora de Latinoamérica https://queesarte.com/frida-kahlo-una-gran-pintora-de-latinoamerica/ https://queesarte.com/frida-kahlo-una-gran-pintora-de-latinoamerica/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:09:32 +0000 https://queesarte.com/?p=214 Frida Kahlo – El surrealismo de la vida Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón (1907-1954). Nacida en el seno de una familia de emigrantes de Europa. Frida Kahlo lo tuvo una vida lo que se dice feliz, ya que desde bien joven, la desgracia se cebó con ella. Diferentes enfermedades y un grave accidente que la mantuvo en cama durante meses ...

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Frida Kahlo – El surrealismo de la vida

Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón (1907-1954). Nacida en el seno de una familia de emigrantes de Europa. Frida Kahlo lo tuvo una vida lo que se dice feliz, ya que desde bien joven, la desgracia se cebó con ella. Diferentes enfermedades y un grave accidente que la mantuvo en cama durante meses desde su adolescencia, y que la obligó a someterse a más de 30 operaciones a lo largo de su vida, condicionaron su pintura y su manera de ver la vida.

Coayacán fue la ciudad que albergó a la familia de Frida durante muchos años, aunque los primeros datos de ella se tienen en la ciudad de México, donde estaba cursando la preparatoria para estudiar Medicina, su otra gran pasión.

Durante sus largos periodo de enfermedad comenzó a pintar, gracias a una paleta con colores que tenía en el taller de su padre, fotógrafo de profesión y aficionado a la pintura en sus ratos libres, Frida comenzó a pintar aquello que le rodeaba, y sobretodo lo que sentía por dentro.

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Frida KahloEl grave accidente lo sufrió en su adolescencia, en 1925, volviendo de las clases de la preparatoria. El autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía lo que hizo que sufriera numerosas lesiones por todo el cuerpo, eso fue un mal trago para todos, pero lo intento desfogar con la pintura.

De esta época destaca los cuadros que pinta sobre una niña la cual está sola, viendo como juegan otros niños, ella se mantiene al margen. Estos cuadros es un fiel reflejo a su infancia, donde por la poliomielitis que sufrió de joven, no podía salir a jugar con otros niños.

Durante la adolescencia también comenzó a relacionarse con la gente del mundo universitario, allí empezó a parar más con un grupo de personas muy afines al partido comunista mexicano, y que poco a poco la irían introduciendo en las reuniones y actos que tenia el partido en la ciudad.

En esos actos conoció al que se sería un único marido, el también pintor y muralista, Diego Rivera, el cual militaba desde hacía unos años en el partido comunista y con el coincidió en numerosos actos.

Su noviazgo fue rápido y se casaron en el 1929, durante este periodo Frida no realiza muchas obras, pero va a ser por un suceso dramático, como es el aborto que le tuvieron que provocar al año de casarse, la sumergió nuevamente en un mundo gris y dispar, en el que reflejaba su frustración y depresión mediante la pintura.

Los problemas en el matrimonio también eran frecuentes, donde los dos se cometían infidelidades y hacia que su matrimonio sea más una fachada que otra cosa. Aún así, por motivos políticos emprenden un viaje a EE.UU, allí volvió a trabajar Diego Rivera y Frida Kahlo entró en su etapa más productiva estando en Detroit.

Según palabras de su marido años después, Frida experimentó un cambio que la hizo volver a sentir algo por el arte, a crear desde el interior todo el miedo y tristeza que sentía por el aborto y por el matrimonio fallido. Además, durante este viaje, Frida se volvió a someter a numerosas operaciones lo que la obligó a volver a pasar otros largos periodos en la cama.

En 1935 regresa otra vez a México pero su matrimonio está ya acabado, la infidelidad de su marido toma un nuevo giro y la comete con la hermana de Frida, lo que hace que se cree un punto de no retorno en la relación.

Se producen las primeras exposiciones de la obra de Frida, la cual no había recibido ningún tipo de reconocimiento oficial hasta el momento, y es calificada de surrealista, a lo que responde la autora de que ella simplemente plasma lo que siente, su vida, su día a día.

Viaja a París para estar en una exposición suya y conoce a pintores de la época como Picasso además de otros estilos y formas de arte que hay en la capital parisina en esta época. A su vuelta, lo plasma en su obra combinando estilos propios como aquellos adquiridos en su viaje.

Frida Kahlo 2En 1939 el divorcio ya es un hecho y su recaída en la bebida y la depresión se van sumando en una espiral que dan con ella varias veces en el hospital por varios intentos de suicidios. Un año más tarde, acuerda volver con su marido bajo unas condiciones peculiares, aunque no consigue superar la depresión hasta el fin de sus días.

En Estados Unidos su arte se va convirtiendo cada vez en más famoso y realiza varios viajes a distintas ciudades del país, aunque nunca termina de seguir las corrientes del momento y tiene algunas discrepancias con distintos críticos.

Su salud va empeorando con el tiempo y cada puede salir menos de casa, en una exposición en México dedicada a su persona y su obra, asistió sobre la cama del hospital y estuvo toda la tarde con los presentes hablando y riendo.

Su estilo se va convirtiendo cada vez en más puro surrealismo que lo que comenzó pintando en su adolescencia, donde las figuras superpuesta, como el retrato, Diego y Yo, tratan de expresar sus pensamiento, en este caso, como los dos son un todo, pero cada uno es un ser individual y personal. Toda una retórica existencialista muy presente en todos los cuadros de su obra, y según va evolucionando, se va haciendo más presente y más dispar, sin patrones ni reglas definidas más que la imaginación de la pintora y su capacidad de expresar.

Pero en 1954 ya todo iba tocando a su fin, reiteradas notas de suicidio hacían presagiar lo inevitable, y después de varios intentos fallidos, terminó por quitarse la vida el 13 de julio del mismo año.

Frida Kahlo, una gran pintora, la mejor de toda Latinoamérica de su estilo sin duda, y una vida bastante sufrida y dolorosa que la llevó desde la alegría a la tristeza en muy poco tiempo y que no supo reponerse a todos los golpes que la iban asestando.

 

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Vicent Van Gogh, pintor autodidacta https://queesarte.com/vicent-van-gogh-pintor-autodidacta/ https://queesarte.com/vicent-van-gogh-pintor-autodidacta/#respond Tue, 28 Jun 2016 16:04:02 +0000 https://queesarte.com/?p=212 Van Gogh – Del arte al delirio Vicent Van Gogh (1853- 1890). Nacido en Zundert, Van Gogh vivió una vida corta pero intensa, dejó un gran número de obras a sus espaldas, de distintos géneros y estilos, debido a su evolución tanto personal como profesional, dando diferentes muestras de Van Gogh según fue creciendo. Joven con carácter, pronto dejó los ...

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Van Gogh – Del arte al delirio

Vicent Van Gogh (1853- 1890). Nacido en Zundert, Van Gogh vivió una vida corta pero intensa, dejó un gran número de obras a sus espaldas, de distintos géneros y estilos, debido a su evolución tanto personal como profesional, dando diferentes muestras de Van Gogh según fue creciendo.

Joven con carácter, pronto dejó los estudios y se dedicó al sector del arte. Empezando desde una galería de arte, comenzó sus primeros acercamientos, pero le interesaba más el tema monetario que el artístico, por lo que consiguió un puesto fijo muy joven.

Su familia le incitó para que comenzara con la pintura, ya que siempre había realizado buenos dibujos, y con su trabajo podía tener un buen comienzo en el sector. Un paso por Londres por traslado de trabajo le hizo comprender una nueva realidad, también conoció su primer amor y sufrió su primer rechazo.

Su vida comenzó a cambiar cuando le despidieron de la galería en 1876, donde volvió a Inglaterra, allí comenzó a crecer su acercamiento con la religión, lo que le llevó a los dos años a marchar a Ámsterdam para estudiar Teología.

Allí no consiguió ingresar en la facultad pero si le mandaron de misionero a las minas de Bélgica, un lugar muy duro, donde pasó verdaderas penurias por la falta de ingresos y de un lugar digno para dormir. Poco a poco le empezó a pasar factura profundizando sus ideas religiosas y comenzando a ser temido entre la población.

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Vicent Van Gogh2Después de las numerosas cartas que le envió su hermano pequeño Theo, el cual jamás se separaría de su lado durante toda su vida, proporcionándole ayuda económica prácticamente cada mes, consigue que vuelva y que comience a trabajar en la pintura.

En 1880 se puede decir que es cuando comienza la etapa de pintor de Van Gogh, una vez inscrito en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, Van Gogh comenzó aprender y a mejorar su estilo pero siempre enclavado en una gama cromática muy oscura, lo que le definirá en toda su etapa inicial.

Sus primeros cuadros reflejan claramente la angustia que sentía el pintor por dentro. En unos tonos muy apagados y unos rasgos bien definidos, Van Gogh pinta la realidad que vive día a día, lo que puede ver y sentir las personas, bajo su óptica pesimista.

La vida de Van Gogh siempre ha tenido un revuelo sentimental muy importante, el amor no correspondido es una lacra que le perseguirá el resto de su vida, buscando la identidad del ser formando una familia, llegó a recoger a una prostituta embaraza y su hija durante un año, pero tampoco le acompañó nunca el dinero.

En toda su vida, Van Gogh consiguió vender un cuadro, y fue en sus últimos años de vida, durante todo ese tiempo, nunca consiguió entrar en los círculos de arte más selectos debido a su estilo, no era impresionista, no era lo que se quería en la época y por lo tanto, como bien le indicó su hermano en diversas ocasiones, tenía que cambiar de estilo para poder llegar al público, pero eso aún no sucedería.

Después de vivir en varios lugares de Europa, volvió con su familia a Nuenen, por consejo familiar, decidió volver donde le adecuaron un taller para que pudiera seguir pintando y evolucionando.

Allí recibió las visitas de numerosos amigos con los que fue aprendiendo y mejorando sus pinturas. Durante esta vuelta al hogar decidió pintar sobre los oficios que practicaban las personas del lugar, El tejedor en el telar, es uno de sus mejores ejemplos, donde se puede observar unas cuidada pintura en la que busca honrar tanto al oficio como al trabajador, en un claro contrapunto con las grandes multinacionales que ya comenzaban a imperar en la zona.

Su desencanto con los circuitos del arte le llevó a tener varias discusiones con su hermano, que si había seguido trabajando en la misma galería en la que trabaja él. Nunca quiso pintar para gustar a la gente sino para que le gustara a él mismo, por lo que nunca siguió los consejos de seguir los cánones establecidos.

Vicent Van Gogh1Una de las litografías que más éxito tuvo fue la del cuadro que pintó de Los comedores de patatas, pintada en 1885, con unas tonalidades muy apagadas pero de increíble realización cuidando los detalles como nunca había hecho en otros cuadros, representa una escena típica de la zona, pero la cual fue criticada con cierta dureza por varios amigos suyos, lo cual le llevó a una depresión con la que había lidiado en muchas ocasiones en su vida.

Este fue uno de sus últimos cuadros con tonalidades tan apagadas, ya que pocos años después, después de sufrir una grave enfermedad y pasar por Amberes, termina en París viviendo con su hermano.

Allí descubre algo que le cambiaría la vida, y con ello su estilo por completo. Visitando diferentes galerías da con las pinturas de Rubens, sus coloridos paisajes le inspiraron junto a los cuadros impresionistas del momento, que era necesario dar más color a sus cuadros.

Lo necesitaba para poder seguir expresando, para poder seguir creando, lo que dio, a que comenzara con una de sus pasiones, la copia de cuadros de otros artistas dando un sentido particular, y el arte japonés fue su referente para esta época.

Durante varios años se inspiró en numerosos cuadros de estilo japonés, a los cuales, en muchos casos, invertía los colores, de oscuros a claros, dotándolo de nuevo sentido y originalidad al cuadro.

Su marcha a la Arlés en 1888, le hizo cambiar los cuadros por el propio paisaje del lugar, también buscaba modelos locales para pintar, lo cual le llevó a realizar el cuadro de El campesino entre otros.

Van Gogh durante toda su vida ha ido teniendo distintos problemas mentales, y en sus últimos años esto se fue aumentando de forma exponencial. Tenía crisis en las que tenía manía persecutoria y brotes nerviosos, por los cuales fue internado en un hospital varias veces.

Vicent Van GoghDurante esta estancia se dio el famoso caso de la perdida de parte de la oreja, según la versión oficial, fue automutilación, pero se sospecha que su amigo Gauguin ha tenido bastante que ver en eso, ya que era un experto en esgrima y habían tenido una fuerte discusión, sea como fuere, uno abandonó el lugar al día siguiente, y otro pintó varios cuadros con su venda en la oreja y con una actitud tranquila y sosegada.

Pero varios ataques de locura hicieron que terminara entrando voluntariamente en una institución mental donde pasó casi el final de su vida, que salió para visitar a su hermano e irse a vivir a un piso tutelado por un amigo médico donde murió.

Durante su etapa en el internado su obra no se paró, ni mucho menos, ya que tenía habilitada una habitación para usarla de taller. Allí desarrolló su ultimo estilo y rasgo más reconocible, las formas circulares, como remolinos, muy claras en cuadros como Campo de trigo con cuervos o La noche estrellada.

Pero también combinaba con un estilo más clásico, El viñedo rojo, el único cuadro que se vendió en vida de él en enero de 1890. Su obra en este periodo se eleva a casi 500 cuadros y 200 dibujos, ya que cuando no podía pasear se ponía a pintar, muchos de esos cuadros son láminas enviadas por su hermano para que tuviera que pintar.

La muerte le llegó de forma accidental según muchos o provocada según otros, sea como fuere, dando un paseo Van Gogh recibió un tiro o se lo dio el mismo, y a los dos días murió en su cama desangrado. Una vida dura con un final duro, pero una vida llena que dio una gran obra que ha dejado para la posteridad la mente de un gran pintor del postimpresionismo.

 

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Vasili Kandinsky, destacado por su estilo abstracto https://queesarte.com/vasili-kandinsky-destacado-por-su-estilo-abstracto/ https://queesarte.com/vasili-kandinsky-destacado-por-su-estilo-abstracto/#respond Tue, 28 Jun 2016 15:56:51 +0000 https://queesarte.com/?p=201 Vasili Kandinsky – Arte Abstracto como forma de vida Vasili Kandinsky (1866 – 1944). Nacido en Moscú en el seno de una familia adinerada, vivió una infancia tranquila pero ya sentaría las bases de su amplitud de campo y compresión del mundo. Debido al divorcio de sus padres, el joven Kandinsky se fue a vivir con su padre, pero mantenía ...

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Vasili Kandinsky – Arte Abstracto como forma de vida

Vasili Kandinsky (1866 – 1944). Nacido en Moscú en el seno de una familia adinerada, vivió una infancia tranquila pero ya sentaría las bases de su amplitud de campo y compresión del mundo.

Debido al divorcio de sus padres, el joven Kandinsky se fue a vivir con su padre, pero mantenía el contacto con su familia materna, gracias a ello, aprendió el idioma alemán gracias a su abuela, lo que serviría en el futuro para emigrar hacía Múnich.

Inició la carrera de derecho y económicas a la par que se casó con Anna Chimyakina, fue nombrado profesor de la facultad de derecho pero dejaría todo poco después por irse a perseguir su sueño, el arte.

Vasili KandinskyEn 1896 rechaza una oferta de trabajo en la facultad y decide trasladarse a Múnich para inscribirse en la escuela de arte de la ciudad, pero no fue admitido, y no fue hasta pasado un año cuando pudo entrar, sorprendiendo a los profesores por su particular estilo. Se comenta que su profesor le obligó durante todo un año a utilizar una gama de grises concretos para sus cuadros, ya que sus colores eran demasiados llamativos siempre.

Durante estos inicios es cuando se comienza a forjar la primera etapa como pintor paisajista, en los la mayoría de ellos estaban compuestos por un esquema similar, con tres elementos bien diferenciados, los cuales daban las referencias básicas del cuadro, y un fondo neutro, que no quiere quitar protagonismo al resto de elementos, los cuales, tradicionalmente son montañas y barcos.

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Además, tan sólo un año después de entrar en la academia inició los contactos para formar su propio grupo de pintura, en el cual, se verían las influencias vanguardias francesas que inspiraban a todos los pintores allí reunidos. Durante el tiempo que estuvo junto a este grupo, los principales temas en los que trataba Vasili Kandinsky era la Edad Media alemana y las tradiciones de su lejana tierra rusa, donde se puede destacar uno de los pocos cuadros en los que incluyó personas, y es el llamado, Domingos, en él, se puede apreciar varias personas en un domingo de primavera en cualquier pueblo de Rusia. Destaca la aparición de animales, pero sin personalidad y protagonismo ninguno, son simples figurantes en una obra donde se da un particular homenaje al pueblo rural de Rusia.

Por otro lado, se fue potenciando su influencia por el arte abstracto a medida que profundizaba en la teosofía, la cual, tiene una visión peculiar de la realidad, en la que la abstracción juega un papel muy importante para comprenderla. La teoría se basa en que detrás de todas las religiones del mundo, había un único responsable, el cual, es el que dirigía y manda sobre el resto de fuerzas, buscan la verdad fundamental que subyace al ser, el origen de todo, y para ello, sólo es posible mediante una visión abstracta de la sociedad y la vida, donde lo material pasa a un segundo plano.

Durante todo este tiempo, hasta la publicación de su libro vital, De lo espiritual al arte, nacido de la profunda meditación y de la evolución que fue sufriendo su personalidad y estilo a lo largo de los años, supo dar un toque espiritual y trascendental a la pintura que hacia.

No por ello quiere decir que incluyera motivos religiosos, ni mucho menos, sino que, poco a poco, fue tendiendo a unos dibujos cada vez un poco más abstractos, en los cuales, ya se empezaba a notar la dualidad del alma y su representación en un lienzo.

Además de probar varios estilos de pintura, las técnicas con los claroscuros fue evolucionando su pintura, pero sin duda, uno de los puntos que cambió su visión fue el inicio de la primera guerra mundial y el divorcio con su primera mujer, lo que hizo que volviera a su Moscú natal.

En esta ciudad ayudo a la revolución trabajando para el comisionado, destinado en la consejería de educación, desde allí, pretendía dar un nuevo sentido a su vida enseñando todo lo aprendido a los jóvenes alumnos de arte que emprendían con total ilusión sus estudios.

Vasili KandinskyEn 1920 fundó junto a otros compañeros el instituto de cultura artística, lo que contribuyó a que se profundizara en el estudio del arte abstracto, lo que también le trajo una serie de enfrentamientos con otros pintores de la época, los cuales apostaban más por un estilo monumental, más visual que entendiera el pueblo, lo que gustó más a los dirigentes del país que hizo que terminara por la salida del país en 1922 de Vasili hacía Weimar.

Su estancia en Alemania no llegó ni a los 10 años, pero sirvió para reforzar sus teorías sobre el arte geométrico en las obras de teatro. Escribió su libro más técnico, Punto y línea sobre el plano, el cual es un referente en las escuelas de pintura debido a la perfección de sus detalles y su elaborado estudio de la materia.

Durante su estancia en Alemania estuvo dando clases teóricas en la Escuela de la Bauhaus, en las cuales se centró más en enseñar a los alumnos que en seguir aumentando su propia obra. La docencia era uno de las actividades preferidas de Vasili Kandinsky, a lo dedicó grandes periodos de su vida en lugares muy diversos.

La llegada de la segunda guerra mundial hizo que volviera a exiliar, esta vez a Francia, donde terminó sus días pintando, donde se estiman que atesoró más de 400 obras durante este tiempo, muchas de ellas, perdidas o destruidas al ser considerado un arte obsceno y de mal gusto, y por lo tanto, después de una exhibición pública, en el que se incluían cuadros de pintores contemporáneos a él, fueron quemados ante el público allí presente.

Una vida intensa en el que se puede ver el acercamiento al estilo abstracto más puro durante los años, según fue ampliando sus conocimientos, fue enfocándose cada vez más a este estilo, el cual ha sido vanguardista a muchos estilos que llegaron durante los siguientes años en todo el mundo.

 

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